17 mars 2010
Depuis le 1er mars, Jean-Michel Jarre est lancé dans une tournée mondiale.
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| Jean-Michel Jarre en concert à Stuttgart. (Christine Ferreira) |
On le retrouve dans sa loge après deux heures d’un
concert "son et lumière" donné, le 9 mars dernier, au Porsche Arena de
Stuttgart. Jean-Michel Jarre savoure l’instant en vidant cul-sec des
petites tasses de saké chaud. "Un rituel de tournée" assure le
musicien. Affable et jovial, le pape de l’électro à la française et le
pionnier des méga-concerts aux quatre coins du monde, affiche une allure
incroyablement juvénile pour ses 62 ans. Sur scène, entouré d’une
dizaine de synthés vintage et de trois musiciens, il se démène comme un
beau diable, triture ses machines, invective le public à se lâcher avec
une belle énergie.
Résultat, 7000 spectateurs
debout à la fin du concert. Un petit exploit. Stuttgart, capitale de
l’automobile allemande, possède une réputation pour le moins austère à
l’image de ses habitants "bosseurs" et peu "fêtards". Mais le show Jarre
affiche une efficacité imparable avec des tubes à foison - entre
électro symphonique, électro rock, électro planante - illustrés par un
travail visuel ambitieux, comme toujours spectaculaire, mais sans
surenchère: projections vidéo, jeux de lumières, laser en technicolor et
quelques astuces ingénieuse, notamment ses images subjectives filmées
grâce à une caméra miniature fixée sur les lunettes du musicien.
L’artiste parvient même à injecter de la poésie dans ce déferlement de
haute technologie, comme sur RDV 2, interprétée avec un accordéon sous un faisceau de lasers tournoyant, à la manière d’un manège de fête foraine. Interview…
Vous êtes réputé pour vos méga-concerts en plein air. Pourquoi vous enfermer aujourd’hui dans des salles sans âme?
Je
voulais apporter la magie de mes spectacles en extérieur, à
l’intérieur, dans des salles closes pour partager une proximité
différente avec le public, le plonger dans une immersion encore plus
grande dans mon univers, ma musique et la scénographie de mes concerts.
Cette dimension visuelle a toujours été centrale dans ma démarche. Du
temps de nos grands parents, quand ils allaient aux concerts de Piaf ou
Trénet, ils n’avaient pas d’autres moyens d’écouter de la musique.
Aujourd’hui, la musique est devenue nomade, on peut l’écouter dans le
bus, dans la rue. De fait, il existe, de la part du public, une attente
visuelle de la musique et de l’artiste. D’ailleurs, on dit plus : "Je
vais écouter" tel artiste, mais "je vais voir" un concert… J’essaye donc
d’offrir un authentique spectacle son et lumière, à la manière des
opéras allemands qui ont contribué à inventer le genre du spectacle
musical. Wagner travaillait avec les charpentiers, les peintres, les
scénographes. A la différence de la chanson et du cinéma, ma musique ne
raconte pas d’histoires, il faut laisser les gens libres de raconter
leur propre histoire et finalement de leur donner le moyen de créer leur
propre film. Le but n’est pas d’entrer dans un processus narratif, mais
d’offrir une scénographie, comme dans l’opéra, pour la transposer dans
la pop, le rock ou l’electro.
On vous a souvent traité de "mégalo" en raison de la démesure de vos spectacles…
Cette
démarche a pu être mal comprise. C’est tout le contraire de la
mégalomanie. Selon moi, il est beaucoup plus prétentieux de rentrer seul
dans une salle pour attirer l’attention sur soi pendant deux heures,
simplement avec sa guitare, plutôt que d’être un élément dans une
histoire plus grande que la votre. C’était presque par pudeur que je me
suis lancé dans ces mégas concerts.
Et quels concerts de rock ou de pop vous ont séduit ces derniers temps?
J’ai
été très déçu par le concert de U2 au Stade De France l’année dernière.
J’ai adoré l’époque Zoo TV, quand ils développaient une véritable
créativité, quand les images avaient du sens et de la pertinence pour
dire des choses sur notre époque. Là, ils se sont laissé déborder par le
business et le marketing. Cette grande scène en forme d’araignée
géante, c’était un grand mammouth qui a accouché d’une souris. Toute
cette mise en scène était clairement destinée à faire rentrer le plus
grand nombre de spectateurs au SDF. Sinon j’ai adoré ACDC, qui avec un
truc très classique étaient cohérents. Ce qui est difficile c’est
d’arriver d’être en osmose avec ce que l’on joue et ce que l’on
projette, et c’est très compliqué.
Vous cherchez à délivrer un message à travers vos concerts?
Un
des thèmes sous-jacents de la scénographie consiste à restaurer l’idée
de la science-fiction dans sa dimension poétique. On a perdu cette
vision positive de l’avenir. Elle est devenue anxiogène et se résume au
fait de bien trier nos poubelles. L’anxiété est devenue un business,
comme l’écologie. Je me suis préoccupé de cet enjeu dès 1976, avec mon
album Oxygène et sa pochette montrant un squelette humain à
l’intérieur de la planète. Un époque où l’écologie ne faisait pas encore
vendre, à la différence d’aujourd’hui. Sur la question du réchauffement
climatique, je suis assez proche de Claude Allègre. Dans l’histoire de
l’humanité, les réchauffements sont cycliques. Le temps de mémoire d’un
homme, c’est sa vie. Mais sur 1000 ans, il existe des cycles de
refroidissement, de réchauffement. Au Moyen Age, le Groenland était
recouvert d’oliviers. On est incapables de prévoir un tremblement de
terre à deux mois d’intervalles, comment peut-on se permettre d’avoir
l’arrogance de penser avoir un contrôle sur le réchauffement de la
planète. On se focalise sur le réchauffement climatique quand les enjeux
de la démographie galopante ou de l’eau potable sont relégués au second
plan. Il faudrait mieux écouter les astrophysiciens que les
"marketteux" de l’écologie…
"L'écolo-marketing m’agace depuis un bon bout de temps"
Vous pensez à Nicolas Hulot ou Yann Arthus-Bertrand ?
C’est vous qui le dites, mais oui. Cet
écolo-marketing m’agace depuis un bon bout de temps. Ma mère est une
résistante de 1941, et puis des gens se sont découverts résistants fin
44. De la même manière, des Cassandre se sont découvert écolos depuis
trois ans, quand l’environnement a commencé à représenter une valeur
marchande. Quand j’entends des musiciens qui se déplacent en jet appeler
leurs fans à venir à leurs concerts en vélo, je pense notamment à
Radiohead, c’est de l’escroquerie intellectuelle.
Et vous, vous donnez des concerts écologiquement corrects?
J’ai
fait fabriquer des lampes qui consomment 81 watts, contre 5000 watts il
y a cinq ans. C’est plus important et pertinent que d’inviter les
spectateurs à venir avec des t-shirts recyclés et en espadrilles.
Sur scène, vous interprétez un morceau inédit, Statistico Adagio illustré par des chiffres en temps réel sur la démographie, la consommation de drogues… Pourquoi cette démarche?
J’avais
envie d’illustrer visuellement cet adagio avec une batterie de chiffres
en direct. Chaque soir, on a la réalité en temps réel sur
l’augmentation de la population, la réserve de pétrole consommée, les
gens qui n’ont plus accès un point d’eau potable, la distance parcourue
par la terre par heure - on tourne à 1600 km seconde, comme une fuite en
avant - le nombre d’e-mail envoyés en même temps et les drogues
consommées. C’est une façon de faire un lien sur les trois axes les plus
importants pour les vingt ans à venir : la démographie, l’accès à l’eau
potable et l’éducation. Mais je le fais sans dogmatisme, à la
différence d’un Bono…
Vous lui reprochez quoi au juste?
Les artistes peuvent, à
travers leur travail, donner un coup de projecteur sur tel ou tel enjeu,
mais le rôle de l’artiste de transformer, comme Bono le fait, les
concerts en tribune politique. Le concert doit rester un moment de
divertissement, durant lequel on peut faire ressentir les choses, mais
il faut les faire passer sur le plan transversal, sur le plan de
l’émotion, pas sur le plan intellectuel. Je ne pense pas qu’il soit
judicieux de faire des gros discours au Stade de France en arrêtant un
concert pour donner une leçon au public. Les gens sont fatigués par ces
grands discours, personnellement j’en ai ras le bol, en tant que membre
de la société civile, qu’on me donne des leçons. Je suis assez grand
pour comprendre et m’informer, j’ai envie de prendre en main ma propre
responsabilité sans qu’on me dise, "t’as mal fait, t’as pas fait ci,
t’as pas fait ça". La politique du doigt tendu culpabilisateur, c’est
démodé.
Sur scène, vous installez plus de 70 synthétiseurs vintage, comme un petit musée de la musique. C’est un retour vers le passé?
Au
contraire. Il ne s’agit pas d’un réflexe rétro ou nostalgique. Je veux
les réhabiliter car ils ont un futur. Je me suis rendu compte à quel
point ces synthétiseurs analogique possèdent une couleur et une qualité
unique. Ils sont comme les Stradivarius. Aujourd’hui, le rêve de
n’importe quel violoniste dans le monde est de jouer sur un instrument
crée au XVIIe siècle. On n’a jamais fait mieux depuis, et Dieu sait que
la technologie a évolué depuis le XVIIe siècle. Cela démontre qu’en
matière de lutherie, il existe un savoir faire indépassable. Les synthés
analogiques sont dans la même situation. A partir des années 80, au
moment de l’explosion du synthé japonais et du numérique, tous ces
instruments ont cessé d’être fabriqués et d’exister. C’est un cas unique
dans l’histoire de la musique. Or le numérique est obsédé par ces
instruments dits "vintage", il existe des émulations de ces instruments,
elles vont jusqu’à reproduire le look mais qui n’ont rien à voir au
niveau du son avec un mélo trompe de 400 kilos conçu dans les années 60.
Une véritable pièce de musée. Le son est incomparable, on l’a testé
avec ses imitations, c’est le jour et la nuit. C’est comme de jouer d’un
orchestre symphonique avec un synthé ou avec un mac. C’est la raison
pour laquelle utiliser ses pièces rares ne relève en rien d’un réflexe
anachronique, mais au contraire d’une démarche totalement contemporaine.
Tous les jeunes dans l’electro sont fascinés pas ces instruments. Ils
représentent le futur de la musique, électronique en particulier
Sur scène, vous jouez de votre fameuse harpe laser que vous avez
conçue au début des années 80. Ce côté bricolo, c’est un héritage
familial?
Affectivement, il existe un héritage de mon grand-père.
Mon père nous a quittés quand j’avais cinq ans. J’ai grandi sans lui
mais avec mon grand-père. Il incarnait l’image paternelle et était un
ingénieur et un inventeur incroyable. Il a inventé la première console
de mixage pour la radio. Et ensuite le teppaz, l’ancêtre de l’I-Pod, le
premier instrument de reproduction de musique portable. Il prenait ma
grand-mère comme souffre douleur. Il avait inventé un moulin à café avec
un moteur d’aspirateur, ça faisait un bruit d’enfer. Et ma grand-mère,
stoïque, essayait le truc, au bout de trois minutes tout explosait, les
grains de cafés volaient dans toute la cuisine. Et ma grand-mère prenait
l’engin et disait : "non, c’est pas prêt encore". Et mon grand père
repartait dans son labo. J’avais cinq ans et ça me fascinait, en même
temps, il était musicien, il jouait du hautbois, se passionnait pour le
cinéma, il m’a beaucoup apporté par ce côté très iconoclaste, il avait
une approche poétique de la science, un côté surréaliste.
Dans les années 70, vous avez fait vos classes avec Pierre Schaeffer
au sein du Groupement de recherche musicale (GRM) avant de composer et
d’écrire pour le chanteur Christophe et Patrick Juvet, notamment Où sont les femmes?. Quelle était le sens de votre démarche?
Créer
un pont entre la musique expérimentale et les mélodies pop. Je voulais
apporter un peu de chair à la musique électronique de l’époque. On me
dit souvent que mes mélodies sont "variétoches". Je le revendique
totalement. Le premier arpège de mon morceau RDV2 reprend la
mélodie d’une chanson que j’avais écrite pour Gérard Lenormand, ça fait
partie de mon travail de recyclage. J’adore les mélodies en apparence
naïves mais qui cachent une mélancolie souterraine. J’ai toujours aimé
cette contradiction très présente dans le cirque. Quand j’allais au
cirque avec mes copains, j’étais le seul à pleurer devant le spectacle
des clowns. C’est ce que j’ai essayé de faire dans l’univers de
Christophe avec Les Mots Bleus. Quand je l’ai rencontré, il était vraiment un chanteur variété, il sortait d’Aline,
et moi j’ai senti cette espèce de dimension tragique de clown, à la
limite du ringard et du sublime, il flotte toujours entre les deux.
D’ailleurs j’aimerais beaucoup retravailler avec lui.
Quel est votre moteur aujourd’hui?
L’insatisfaction. J’ai
rencontré Fellini sur la fin de sa vie, il m’a dit : "Toute ma vie, j’ai
cru que je faisais un film différent. Et je m’aperçois à la fin de ma
vie que j’ai toujours fait le même film. Finalement, j’ai toujours
essayé d’améliorer les choses". C’est absolument vrai. Cette exigence
permet de préserver l’innocence intacte.
Vous avez des projets?
Oui, renouer avec les concerts en plein
air, composer pour des ballets, des spectacles multimédia, des musiques
de films également. Je me suis longtemps interdit de m’aventurer dans
ce domaine, car je le considérais, sans faire de la psychanalyse de
Monoprix, qu’il s’agissait du territoire réservé à mon père (compositeur
de Lawrence D’Arabie, Docteur Jivago, Ndlr).
On vous décrit comme une sorte de Dorian Gray… Quel est le secret de votre jeunesse ?
Faut
demander à ma mère. Elle va avoir 96 ans et quand je lui dis qu’elle
court comme un lapin, elle me répond : "arrête de dire ça, le lapin
court moins vite". C’est génétique, et puis j’ai un rapport avec le
temps assez abstrait, sauf depuis la disparition de mon père l’année
dernière. J’ai pris conscience de la mortalité. Je raisonne désormais en
fonction du temps qui me reste. Quand je vois le parcours de Pierre
Soulages, ses créations les plus intéressantes s’échelonnent sur ses
quinze dernières années, je garde espoir.
Eric Mandel, à Stuttgart - Le Journal du Dimanche
